Cinefilia

Harpya

2010-06-17T11:29:00.000-07:00

Me enamora...

Disfrutad.

Tarantino

2010-01-08T13:52:00.001-08:00

...

No tengo tiempo. Soy un desastre.. y encima, estoy en época de exámenes. Por lo que he decidido colgar un documental de la fantástica cadena TCM sobre uno de mis cineastas favoritos: Quentin Tarantino. Disfrutad.

http://www.canaltcm.com/los10magnificos

Simone de Beauvoir

2009-08-17T10:22:00.000-07:00

Un magnífico documental de Virginie Linhart.

American Psycho I

2009-05-26T00:00:00.000-07:00

DIRECCIÓN: Mary Harron.
PAÍS: USA.
AÑO: 2000.

DIRECCIÓN: Mary Harron.
GUIÓN: Mary Harron y Guinevere Turner, basado en la novela homónima de Bret Easton Ellis.

ACTORES: Christian Bale, Willem Dafoe, Jared Leto, Josh Lucas, Samantha Matis, Matt Ross, Bill Sage, Chlöe Sevigny, Cara Seymour, Justin Theroux, Guinevere Turner, Reese Witherspoon.

GÉNERO: Drama/Thriller

En mi opinión, es una de las películas más interesantes de los últimos años. Compleja, extraordinaria y demoledora, permite introducirse en la mente de un psicópata. Christian Bale realiza una actuación impecable (la verdad es que las actuaciones de este hombre siempre me lo parecen) y ayuda a que la película sea hoy considerada como de culto.

"Mi necesidad de seguir un comportamiento homicida a escala masiva no puede remediarse, pero no tengo otra forma de realizarme"

Ed Wood

2009-05-12T01:29:00.000-07:00

TÍTULO ORIGINAL: Ed Wood
AÑO: 1994
DIRECTOR: Tim Burton
REPARTO: Johnny Depp, Martin Landau, Sarah Jessica Parker, Patricia Arquette, Jeffrey Jones, G.D. Spradlin.
SINOPSIS: Ed Wood es un joven director de cine, un visionario sin ninguna formación académica, aficionado a vestirse de mujer y con muy pocas oportunidades de hacer películas en un gran estudio. Sin embargo no ceja en su empeño de convertirse en un director famoso. Tras reunir a un curioso grupo de personajes, realiza películas de bajo presupuesto, excéntricas y no muy cuidadas técnicamente.

Una joyita. No la tengo muy reciente, pero guardo de ella un muy buen recuerdo y crítica, además de la gran interpretación de Lugosi por Marin Landau. Tim Burton en mi opinión hace un excelente resumen de la vida de Wood, el peor director de la historia pero también uno de los más renombrados por eso mismo (¿y quién no ha oido hablar de Plan 9?).

S.Darko

2009-03-24T03:22:00.000-07:00

Hay secuela de Donnie Darko, con la pequeña Samantha como protagonista. Yo personálmente me pregunto "¡¿POR QUÉE?!", y más aún tras ver el pésimo trailer en el que todo el espíritu de Donnie queda anulado.

Pues bien, la historia para esta innecesaria secuela se presenta 7 años después de la muerte de Donnie Darko, donde su hermana menor, Samantha (Daveigh Chase), ahora tiene 18 años y unas extrañas visiones. Samantha, en un viaje hacia Los Ángeles, comenzará a tener sueños apocalípticos que le advierten de la destruccion del universo, y ella (¡como no!) tendrá que intentar salvar al mundo y blah blah blah. El director cambia, decimos adios a Richard Kelly, que seguramente tras ver el argumento prefirió no estropear su película; para saludar a Chris Fisher.

Post-Oscars 2009

2009-02-24T13:59:00.000-08:00

A falta de originalidad en poner una entrada con los ganadores de los Oscar como los miles de blogs en el mundo, pregunto: ¿estais de acuerdo?

(no contestará nadie... muchos me visitan pero nadie sale de las sombras)

Nominaciones a los Oscar 2009

2009-02-09T08:58:00.000-08:00

Y el oscar es...

MEJOR PELÍCULA
"The curious case of Benjamin Button"
"Frost/Nixon"
"Milk"
"The reader"
"Slumdog millionaire"

MEJOR DIRECTOR
David Fincher "The curious case of Benjamin Button"
Danny Boyle "Slumdog millionaire"
Gus Van Sant "Milk"
Ron Howard "Frost/Nixon"
Stephen Daldry "The reader"

MEJOR ACTOR PROTAGONISTA
Richard Jenkins "The visitor"
Frank Langella "Frost/Nixon"
Sean Penn "Milk"
Brad Pitt "The curious case of Benjamin Button"
Mickey Rourke "The wrestler"

MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA
Anne Hathaway "Rachel getting married"
Angelina Jolie "Changeling"
Melissa Leo "Frozen river"
Meryl Streep "Doubt"
Kate Winslet "The reader"

MEJOR ACTOR SECUNDARIO
Josh Brolin "Milk"
Robert Downey Jr. "Trophic Thunder"
Heath Ledger "The dark knight"
Philip Seymour Hoffman "Doubt"
Michael Shannon "Revolutionary Road"

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA
Amy Adams "Doubt"
Penélope Cruz "Vicky Cristina Barcelona"
Viola Davis "Doubt"
Taraji P. Henson "The curious case of Benjamin Button"
Marisa Tomei "The wrestler"

MEJOR PELÍCULA ANIMADA
"Bolt"
"Kung Fu Panda"
"Wall-E"

MEJOR GUIÓN ORIGINAL
Courtney Hunt "Frozen river"
Mike Leigh "Happy go lucky"
Martin McDonagh "In bruges"
Dustin Lance Black "Milk"
Andrew Stanton, Jim Reardon y Pete Docter "Wall-E"

MEJOR GUIÓN ADAPTADO
Eric Roth y Robin Swicord "The curious case of Benjamin Button"
John Patrick Shanley "Doubt"
Peter Morgan "Frost/Nixon"
David Hare "The reader"
Simon Beaufoy "Slumdog millionaire"

MEJOR FOTOGRAFÍA
"Changeling"
"The curious case of Benjamin Button"
"The Dark knight"
"The reader"
"Slumdog millionaire"

MEJOR MONTAJE
"The curious case of Benjamin Button"
"Frost/Nixon"
"Milk"
"The dark knight"
"Slumdog millionaire"

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA
"Changeling"
"The curious case of Benjamin Button"
"The dark knight"
"The duchess"
"Revolutionary Road"

MEJOR BANDA SONORA
"The curious case of Benjamin Button"
"Slumdog millionaire"
"Defiance"
"Milk"
"Wall-E"

MEJOR CANCIÓN
"Down to the Earth" ("Wall-E")
"Jai ho" ("Slumdog millionaire")
"O...Saya" ("Slumdog millionaire")

MEJOR VESTUARIO
"Australia"
"The curious case of Benjamin Button"
"The duchess"
"Milk"
"Revolutionary Road"

MEJOR MAQUILLAJE
"The curious case of Benjamin Button"
"The dark knight"
"Hellboy II"

MEJORES EFECTOS VISUALES
"The dark knight"
"Iron Man"
"The curious case of Benjamin Button"

MEJOR SONIDO
"The curious case of Benjamin Button"
"The dark knight"
"Slumdog millionaire"
"Wall-E"
"Wanted"

MEJOR MONTAJE DE SONIDO
"The dark knight"
"Iron Man"
"Slumdog millionaire"
"Wall-E"
"Wanted"

MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL
"The Betrayal"
"Encounters at the End of the World"
"Man on Wire"
"The garden"
"Trouble of the water"

MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL
The Conscience of Nhem En
The Final Inch
Smile Pinki
The Witness - From the Balcony of Room 306

MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN
Auf der Strecke (On the Line)
Manon on the Asphalt
New Boy
The Pig
Spielzeugland (Toyland)

MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN
La Maison en Petits Cubes
Lavatory - Lovestory
Oktapodi
Presto
This Way Up

MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA
"Waltz with Bashir" (Israel)
"The class" (Francia)
"The Baader Meinhof Complex" (Alemania)
"Revanche" (Austria)
"Departures" (Japón)

Los globos de oro

2009-01-12T12:37:00.000-08:00

Mejor película en drama: Slumdog Millionaire (2008)

Mejor actuación masculina en drama: Mickey Rourke for The Wrestler (2008)

Mejor serie de televisión en drama: "Mad Men" (2007)

Mejor actuación femenina en drama: Kate Winslet for Revolutionary Road (2008)

Mejor película comedia: Vicky Cristina Barcelona (2008)

Mejor actuación masculina en comedia: Colin Farrell for In Bruges (2008)

Mejor director: Danny Boyle for Slumdog Millionaire (2008)

Mejor actuación femenina en serie de televisión comedia: Tina Fey for "30 Rock" (2006)

Mejor banda sonora: Slumdog Millionaire (2008) - A.R. Rahman

Mejor serie de televisión en comedia: "30 Rock" (2006)

Mejor actuación masculina en miniserie televisiva: Paul Giamatti for "John Adams" (2008)

Mejor actuación masculina en serie de televisión comedia: Alec Baldwin for "30 Rock" (2006)

Mejor guión: Slumdog Millionaire (2008) - Simon Beaufoy

Mejor actuación femenina en miniserie televisiva: Laura Linney for "John Adams" (2008)

Mejor película de habla no inglesa: Vals Im Bashir (2008)

Mejor actor secundario en drama: Heath Ledger for The Dark Knight (2008)

Mejor miniserie para televisión: "John Adams" (2008)

Mejor actuación femenina en comedia: Sally Hawkins for Happy-Go-Lucky (2008)

Mejor película de animación: WALL·E (2008)

Mejor actuación femenina en serie de televisión drama: Anna Paquin for "True Blood" (2007)

Mejor actuación masculina en serie de televisión drama: Gabriel Byrne for "In Treatment" (2008)

Mejor actriz secundaria en serie de televisión drama: Laura Dern for Recount (2008) (TV)

Mejor actor secundario en serie de televisión drama: Tom Wilkinson for "John Adams" (2008)

Mejor canción: The Wrestler (2008)("The Wrestler")

Mejor actriz secundaria en drama: Kate Winslet for The Reader (2008)

Takeshis´

2008-12-24T02:47:00.000-08:00

DIRECCIÓN: Takeshi Kitano.

GUIÓN: Takeshi Kitano.

PAÍS: Japón.

AÑO: 2005.

DURACIÓN: 108 min.

REPARTO: Takeshi Kitano, Kotomi Kyono, Kayoko Kishimoto, Ren Osugi, Susumu Terajima, Tetsu Watanabe, Akihiro Miwa.

Aquellos que han visto más películas de Kitano dicen que ésta es su película más personal. Por mi parte, tras verla y señalar que es la película más rayante que he visto en toda mi vida, pienso buscar toda la filmografía de este director. La película te hipnotiza de tal modo que parece que estás metido en un mundo totálmente surrealista en el que se mezcla acción, comedia, baile, cienpiés, claqué y sexo. Dadla una oportunidad, y me comentaís qué tal (que no muerdo).

Ballet mecánico (1924)

2008-12-15T00:31:00.000-08:00

TITULO ORIGINAL Ballet Mecanique
AÑO 1924
DURACIÓN 19 minutos
PAÍS Francia
DIRECTOR Fernand Léger, Dudley Murphy
GUIÓN Fernand Léger
MÚSICA George Antheil
FOTOGRAFÍA Dudley Murphy, Man Ray

Una pequeña joyita de la que no había oido hablar antes.

Test Cinéfilo

2008-11-25T02:10:00.000-08:00

1. La película de tu infancia .... La sirenita
2. Tu película preferida en estos momentos ... El ladrón de orquideas
3. La peor de todas las que has visto .... Puff, Casi 300 y Reencarnacion (con Nicole Kidman)
4. Géneros cinematográficos preferidos ... Cine negro, comedias, dramas, bizarreces, etc
5. Lloraste a moco tendido viendo ... El diario de Noah y 13 rosas
6. Pasaste un miedo espantoso con ... El grito (no he visto ni la segunda parte por puro terror)
7. La más divertida ... El jovencito Frankestein :D
8. Cine español o made in Hollywood ... Depende mucho del director, pero he visto mejores películas por regla general en Hollywood
9. Una gran decepción fue ... La ciencia del sueño
10. Mejor actor internacional ... Brad Pitt, De Niro, Edward Norton y Jonhny Deep son polifacéticos. Mención también a Chaplin y a Paul Newman (¡se me hace dificil elegir!)
11. Mejor actriz internacional ... Helena Bonham Carter, Meryl Streep y Kate Winslet
12. Mejor actor español ... Eduardo Noriega y Bardem
13. Mejor actriz española ... Maribel Verdú ?
14. Peor actor internacional ... Matthew McConaughey
15. Peor actriz internacional ... Jennifer Lopez, Paris Hilton...
16. Peor actor español ... Santiago Segura, tiene menos gracia que una piedra
17. Peor actriz española ... Elsa Pataky, guapa a rabiar pero en la pantalla no me covence
18. Actor/Actriz más atractiv@ .... Zooey Deschanel (¡me tiene enamorada!), Angelina Jolie y Kate Winslet. Actores: Stuart Townsend, Jonathan Rhys Meyer, Ian Somerhalder, Brad Pitt y J. Deep
19. Una escena dramática inolvidable ... El final del Diario de Noah
20. Una escena cómica ... Cuando el Doctor Frankestein conoce a Igor, en El jovencito Frankestein
21. Una escena realmente terrorífica ... Cualquier fantasma japones del tipo La Maldición me aterra
22. Una frase emblemática que recuerdes ... "¿Hablas conmigo? ¿Me lo dices a mí? Dime, ¿Es a mí?... Entonces ¿a quién le hablas si no es a mí?" Taxi Driver
23. El mejor director internacional de la historia ... ¡Kubrick!
24. Y el mejor director español .... Isabel Coixet
25. La mejor película de animación ... Shrek
26. Película más esperada en estos momentos ... Asfixia (basado en la novela de Palahniuk), y también la nueva de Charlie Kaufman :DD!
27. Película que esperas tener en la estantería ... Nosferatu y El gabinete del doctor Caligari (babas)
28. La última que adquiriste ... Moulin Rouge que compré, y que descargue Psycho Beach Party junto con Gattaca.

Estaré encantada de leer los test de todos aquellos que quieran hacerlo dejándome un comentario con su test aqui :D

Allan Konigsberg, creador de Woody Allen

2008-11-23T03:43:00.000-08:00

Título original: “The Man Behind Woody Allen”
Publicado en: www.thecommonreview.org
Traduccíón: Alberto Loza Nehmad

¿Se puede pensar en un cineasta contemporáneo importante que esté dedicado a los grandes libros? En esta época de sangre y sexo en las producciones de Hollywood, de caprichosos filmes independientes acerca de familias disfuncionales, películas sobre el paso a la adultez o dibujos animados de animales felices que salvan el casquete polar, es difícil seleccionar a intelectuales serios entre la lista central del casting de directores ligeros y de poca cultura. Podríamos tener al shakesperiano ocasional como Kenneth Branagh, a los aspirantes a shakesperiano Mel Gibson o Ethan Hawke, o al excepcional equipo de Merchant Ivory Productions. Se tiene la rareza de adaptaciones de grandes libros como la película Beowulf de Robert Zemeckis (2007) con Angelina Jolie asumiendo la pose de la madre de Grendel en versión de diosa sexual (¿no habíamos pensado siempre que Mamá Grendel era vieja y fea?). No obstante, encontrar a un director firmemente interesado en los grandes libros y en la tradición filosófica occidental (y dispuesto a hacerlos el tema mismo de sus películas) requiere de cierta búsqueda.

De modo que podría parecerle a uno igualmente extraño pensar que esa búsqueda termina en el condominio del East Side de Allan Konigsberg o, como quizá usted lo conozca, Woody Allen. ¿Podemos realmente pensar acerca de este tonto neurótico con anteojos que anda a tropezones a lo largo de Take the Money and Run (1969) o Bananas (1971) como el verdadero heredero de la tradición intelectual occidental? Un nuevo libro de Eric Lax (sobre conversaciones con Woody Allen que cubren 30 años) hace precisamente eso. En Conversations with Woody Allen: His Films, the Movies and Moviemaking se nos presenta al Woody Allen que la mayoría de nosotros no conocemos. Me gustaría, para los fines de esta reseña, referirme a esa persona desconocida como Allan Stewart Konigsberg, dado que, como él nos dice, “Woody Allen” fue un nombre que escogió en la secundaria cuando se iniciaba como escritor de bromas para columnas de chismes de Nueva York (y parece que es un nombre que nunca fue adoptado legalmente). El nombre y la
personalidad de nerd que lo acompañaron se han transformado en el personaje Woody Allen. Sería, sin embargo, un error sustituir con el infortunado, tartamudeante bromista, al prolífico y premiado cineasta que ha hecho más de un filme por año durante los últimos 30 años. No debemos confundir el arte con la vida, por supuesto, pero es difícil cuando tenemos delante una plétora de arte que parece reflejar en gran medida a su creador.

Al separar a Woddy Allen de Allan Konigsberg se revela una mente extraña e interesante, una mente digna de considerar. Ciertamente, uno podría objetar que hay una gran tontería en cualquier esfuerzo de tomar seriamente a un comediante (véase a esos intelectuales franceses escribiendo acerca de Jerry Lewis. ¡Qué ridicule!), pero déjennos por un momento conceder que Konigsberg es ciertamente digno de ser tomado seriamente. Después de todo, ¿por qué no habríamos de querer considerar los pensamientos de un cineasta tan productivo cuyos filmes han cosechado premios internacionales a lo largo de décadas? Más que casi todos los otros cineastas en los Estados Unidos, Konigsberg es un auteur, dado que a pocos se les ha dado las riendas tan sueltas como él las ha tenido. Inclusive los más famosos directores estadounidenses dirán que la libertad artística es algo raro, si no desconocido. No obstante, a Konisberg se le ha permitido una completa libertad directoral en sus filmes; y por esa sola razón su carrera es digna de ser considerada como la declaración artística de toda una vida. El hecho de que sea bueno para las frases cortas y el humor visual no debería obviar los logros.

En entrevistas con Eric Lax, por largo tiempo amigo del director, encontramos a un Konigsberg obsesionado con su rol en la sociedad como artista y como intelectual. No solo es un conocedor del arte moderno sino que ha leído a los antiguos griegos, a los filósofos de la Ilustración y la postilustración, y a los grandes novelistas y poetas del mundo occidental. Sus películas, además, están llenas de referencias a esta aristocracia de las ideas. Una reciente visualización de Manhattan (1979) produjo referencias a Ingmar Bergman, Kierkegaard, Gustav Mahler, Lev Tolstoy, August Strindberg, Jean-Pierre Rampal, Franz Kafka, Antonio Vivaldi y Norman Mailer, y esa es una muestra obtenida de solo un filme. Cualquier otro cineasta habría sido considerado pomposo o “intelectual” por llenar una sola película con tales referencias, pero debido a que el personaje es Woody Allen, Konigsberg puede salir bien librado.

Los intereses filosóficos de Konigsberg van desde Platón hasta los filósofos alemanes, pero para él Bertrand Russell “tiene mucho más sentido, resuena mucho más profundamente conmigo”. Camus, Sartre y Nietzsche “son más dramáticos y están más preocupados con temas de la vida y la muerte”. Su lectura del estudio Tolstoy o Dostoyevsky: Un ensayo del viejo criticismo, del crítico George Steiner, le provocó, según dice, leer El idiota. Otros escritores y filósofos claves que lee son Isaiah Berlin y William Barret, quien escribió Irrational Man. Konigsberg observa “Si pudiera rehacer mi educación, probablemente iría a la universidad y probablemente tendría mi primera especialidad en filosofía [como su primera esposa, Harlene Rosen]”. Konigsberg es, sin embargo, un filósofo, al menos para los académicos congregados en el libro Woody Allen and Philosophy: You Mean My Whole Fallacy Is Wrong? [Woody Allen y la filosofía: ¿Quieres decir que mi falacia entera está equivocada?] Ensayos sobre el significado de la vida, la moralidad y la interpretación recorren cerniendo la obra fílmica y presentan a Konigsberg de varias maneras, como “optimista pragmático”, pesimista nihilista y kantiano.

Por supuesto, la década era la de los cincuenta, y al menos en la escena de las casas de arte y los cafés se estaba forjando una ecuación que convertía el conocimiento de la filosofía y el arte en algo sexy y de moda. Sin embargo, Konigsberg claramente tomó tal lectura como un filósofo toma la dialéctica. Aunque él es honesto acerca de su motivación, podría querer considerar el rol de lo erótico en la lectura en general, y en la filosofía en particular.

Konigsberg deja en claro que él lee ampliamente pero sin profundidad ni dirección, parcialmente porque nunca asistió de ninguna manera sostenida a un college ni a la universidad. Su falta de disciplina y su interés en la filosofía se convirtieron en famosas frases cortas: “Me botaron de la Universidad de Nueva York en el primer año por plagiar en mi examen final de metafísica: le miré el alma al muchacho que estaba sentado a mi costado”. En realidad, el corto ensayo de Konigsberg “Mi filosofía” en su Prosa completa, debería ser lectura obligatoria en cualquier curso de filosofía. Es un hilarante tour por la historia del pensamiento, con segmentos como su “Crítica del terror puro”, en la que escribe:

Al formular cualquier filosofía, la primera consideración siempre debe ser: ¿Qué
podemos saber? Esto es, de qué podemos estar seguros que sabemos, o seguros que
sabemos lo que sabíamos, si ciertamente es conocible. ¿Quizá simplemente lo
hemos olvidado y estamos demasiado avergonzados de decir algo al respecto?
Descartes atisbó el problema cuando escribió “Mi mente nunca puede conocer mi
cuerpo, aunque se ha puesto muy amistosa con mis piernas”.

Sin embargo, ¿es su humor una forma del conocimiento? Los chistes pueden ser una forma destilada de la sabiduría y ciertamente son uno de los únicos remanentes de la cultura oral en la sociedad establecida, aunque es más probable que ahora la mayoría de la gente consiga sus chistes de Internet que de un vendedor viajero o de un tío bromista.

Chaplin, a diferencia de Konigsberg, usa su dialéctica para burlarse de la superioridad aria. Para Konigsberg, el judío siempre será la caricatura de la mujer metiche del shtetl [aldea judía europea de la preguerra] o del intelectual neurasténico. En otras palabras, no hay otra solución para lo judío que reelaborarlo de manera interminable; así, lo judío se convierte en un leitmotiv a lo largo de su obra, más que en un canto funerario. Este es uno de los muchos momentos en el trabajo de Konigsberg en el que la decisión de evitar lo trágico se convierte, ella misma, en una suerte de tema trágico.

En sus entrevistas con Lax, Konigsberg afirma que sus lecturas de filosofía y literatura son principalmente un intento de ayudarlo a responder la pregunta final acerca de la vida: su propósito y valores en su relación con la muerte. “Pienso que el tema más importante para mí es cuáles deberían ser los valores de uno en la vida (la existencia de Dios, la muerte). Eso es realmente interesante para mí. Si la cosa es la sociedad capitalista o el socialismo, eso es superficial”. La tarea que asume Konigsberg no es una tarea pequeña para un comediante, y menos aún para un filósofo. Konigsberg pone el problema en la voz de su personaje Allen cuando éste dice “Mi visión de la realidad es que ésta siempre ha sido un lugar sombrío para vivir... pero es el único lugar donde se puede conseguir comida china”. Variaciones de este tema aparecen a lo largo de sus escritos. “No solo Dios no existe: mira si puedes conseguir un gasfitero los fines de semana”. O, “La nada eterna no está mal, si estás vestido para ella”.

En algo que es menos que el remate de un chiste, se lamenta: “Pienso que el aspecto resaltante de la existencia humana es la inhumanidad del hombre con el hombre”. Él reitera el punto:

Lo que realmente estoy diciendo, y que no está escondido ni es esotérico, sino
que es claro como una campana, es que tenemos que aceptar que el universo carece
de Dios y que la vida no tiene sentido, y que a menudo es una experiencia
terrible y brutal sin ninguna esperanza, y que las relaciones de amor son muy,
muy difíciles, y que aún necesitamos encontrar una manera no solo de
arreglárnosla sino de llevar una vida decente y moral.

En este sentido, él es un kierkegaardiano sin el salto de fe, o un sartreano sin la ética existencial de la acción. Más bien Konigsberg pregunta “¿Cómo podemos perseverar o, inclusive, por qué deberíamos elegir perseverar?” Su respuesta —específicamente a un sacerdote filósofo jesuita de la Universidad St. Johns que escribió un ensayo sobre Crimes and Misdemeanors (1989) donde describe a la película como el filme más ateo jamás hecho antes— es notable:

Para mí, es una maldita lástima que el universo no tenga ningún Dios ni sentido,
pero, con todo, solo cuando puedes aceptar eso, entonces puedes continuar
viviendo lo que esta gente llama una vida cristiana, esto es, una vida decente,
moral. Solo puedes vivir una vida así si reconoces contra qué te enfrentas, para
comenzar, y botas todos los cuentos de hadas que te llevan a tomar decisiones en
la vida, decisiones que tomas realmente no por razones morales sino para
conseguir un gran puntaje para ultratumba.

El razonamiento de Konigsberg se alinea en este punto con un tipo de visión materialista de la existencia combinada con un imperativo existencial. La visión del universo de Konigsberg, sin embargo, a diferencia de la de su héroe Ingmar Bergman, nunca se eleva a lo trágico. Konigsberg se lamenta de que sus propias obras nunca tendrán la estatura de las de Bergman, pero la razón no es la carencia de arte tanto como su evasión de lo trágico. En lugar de ello tenemos patetismo y desesperanza. Como escribió la ex esposa de Allen en Manhattan, representada por Mery Streep, en su denuncia del personaje Isaac Davis,

Estaba dado a ataques de ira, a una paranoia liberal judía, machismo,
misantropía, pretensiones de superioridad moral y estados de ánimo nihilistas.
Tenía quejas de la vida pero nunca soluciones. Ansiaba ser un artista pero se
detenía ante los sacrificios necesarios. En sus momentos más privados hablaba de
su miedo a la muerte, que él elevaba a alturas trágicas cuando, en realidad, era
mero narcisismo.

Parece claro que la ex esposa de Woody Allen en la película está actuando como el súper ego de Konigsberg. Las alturas trágicas de él son realmente falsas perspectivas que tapan un universo meramente patético.

Una manera de salir del dilema existencial no es tanto la acción política como la escritura. Konigsberg reconoce la seriedad de escribir. Se ha referido al dictum de Tolstoy de que el escritor tiene que remojar su pluma en sangre. El guionista en efecto remoja su pluma en sangre, más frecuentemente en los filmes recientes de Konigsberg, que investigan temas éticos en torno al asesinato. En al menos tres de sus filmes —Match Point, Crimes and Misdemeanors y Manhattan Murder Mystery (1993)— los personajes centrales matan a sus mujeres, y en dos de ellos, salen bien librados. Es un mundo en el que no hay Dios ni centro moral que exija que ellos sean castigados en la narrativa. Konigsberg, en efecto, contempla un mundo que Dostoyevsky no podía empujarse a imaginar cuando decía que sin Dios no podía haber moralidad.

Hay (...) un enorme elemento de azar entre en sus películas, más que muchos directores. Y no es una coincidencia que el azar juegue un rol tan grande en su visión artística y filosófica. Por ejemplo, Match Point comienza con la imagen de una pelota de tenis balanceándose sobre la red, cercana a caer en un lado u otro. Este momento es de puro azar y no depende de la habilidad de ninguno de los jugadores. Con todo, en momentos en que se disputa un punto en el tenis, el juego entero depende de dónde caiga la pelota. Y la película misma termina con la imagen de un anillo que ha sido arrojado por el personaje principal, el anillo que, si es encontrado, ciertamente llevaría a su arresto por asesinato. El anillo arrojado se balancea por un segundo sobre un riel de metal sobre el Támesis, y el filme muestra lentamente este momento del azar hasta que el anillo no cae al río. E inclusive aunque el azar o la suerte parecen ahora estar contra el asesino, el asunto no queda resuelto de ningún modo.

La escritura ofrece un sentido adicional de control. Si no se puede darles forma a los acontecimientos del mundo, se puede al menos darle forma al mundo a través de la narrativa. Al dejar la creación cinematográfica a una suerte de azar, Konigsberg estructura su mundo a través de escribir acerca de él. La descripción de lo trágico es más difícil en su universo, puesto que no hay una acción “correcta” porque no hay ningún diseño ni ninguna voluntad. En Match Point, el personaje de Jonathan Rhys-Meyers, al hablar con el investigador policial, dice que espera que el asesino sea encontrado para que al menos haya justicia en este mundo sin sentido. La justicia, sin embargo, solo puede ser inherente a un mundo que tiene una noción de justicia.

En Crimes and Misdemeanors, Konigsberg, considera el rol de la religión en la ontología de la justicia. El personaje de Martin Landau, el hombre transido por la duda sobre el significado de la vida y del rol de la ética en ella, en la recepción de una boda es aconsejado por un rabino, representado por Sam Waterston:

Vemos la vida como fundamentalmente diferente: tú la ves como áspera, vacía de
valores y despiadada, y yo no podría continuar viviendo si no sintiera con todo
mi corazón una estructura moral con significado real, con clemencia y algún tipo
de poder superior. De otro modo no hay ninguna base como para saber cómo vivir.

Si no hay ninguna base para saber cómo vivir en el irreligioso mundo que Konigsberg habita, no hay entonces modo de hacer un filme que vibre con significados. Lo menos (o quizá lo más) que uno puede hacer es crear narraciones acerca de los afortunados encuentros que permite la naturaleza de la existencia, y la azarosa naturaleza del azar. Al final del día, o del filme, nosotros en tanto audiencia solo podemos observar a medida que la pelota se balancea sobre la red, maravillándonos de que no haya manera de predecir hacia cuál lado caerá ni ninguna significación a ser extraída de la dirección en la que finalmente caiga.

Vicky Cristina Barcelona

2008-11-13T05:10:00.000-08:00

TITULO: Vicky Cristina Barcelona.

AÑO: 2008.

PAÍS: EEUU, rodada en España..

DIRECTOR: Woody Allen.

GUIÓN: Woody Allen.

Reparto: Javier Bardem (Juan Antonio), Patricia Clarkson (Judy Nash), Penélope Cruz (María Elena), Kevin Dunn (Mark Nash), Rebecca Hall (Vicky), Scarlett Johansson (Cristina), Chris Messina (Doug), Zak Orth, Carrie Preston, Pablo Schreiber.

Sinopsis: Dos jóvenes americanas, Vicky y Cristina, llegan a Barcelona para pasar sus vacaciones de verano. Vicky es una mujer sensata y está prometida. Cristina es aventurera en el terreno emocional y sexual. En Barcelona, se ven envueltas en una serie de líos amorosos poco convencionales con Juan Antonio, un carismático pintor que sigue manteniendo su relación con María Elena, su temperamental ex mujer (LA BUTACA.NET).

Crítica: Puff, fui a verla hace tiempo al cine pero tengo muy muy reciente la impresión: decepción. Debo de decir que soy una gran amante de las películas de Woddy (con algunas excepciones), pero cuando fui al cine entré llena de expectativas para ver una película de mi adorado Woody rodada en mi propio país, pero salí con una cara de espanto terrible. No sólo se me hizo larga, sino que el argumento era de lo más pobre. Durante toda la película Woody nos ofrece planos de Barcelona como si se tratara de un documental, salteando escenas en las que nos deja ver los labios de la Johansson y el tópico ambiente español bohemio. No hay ningún dialogo que valga la pena, ningún momento que enganche al culebron, las actuaciones medriocres (o sobreactuadas, por dios, Penélope, hasta yo haría mejor el papel de neurótica) y en resumen poca ‘miga’. Y una musiquilla cansina.

Nota: 4.5.

Trailer: http://es.youtube.com/watch?v=yQISJtJDeFc .

Cartelera

2008-10-29T05:44:00.000-07:00

A falta de tiempo para ver películas (y ninguna gana de subir el resumen de alguna por el momento), actualizaré para que no se muera el blog con dos estrenos en la cartelera por parte de españoles:

El camino, de Javier Fesser

Diario de una ninfómana, de Christian Molina

¡Que ganas de ver cualquiera de las dos! O de ver cualquier otra

y tener tiempo libre.

Sitges - Zombie Walk

2008-10-14T07:27:00.000-07:00

No he podido evitar subir esta foto de una de las Zombie walk que se organizan todos los años, pero a la que aún no he asistido jamás, en la que he descubierto a un defensor de los derechos de las momias. Pobres momias, oye, no hay una Momia Walk...

(zoooooooom )

Este año ha sido la 41 edición del Sitges Festival Internacional de Cinema, con películas como:

Martyrs de Pascal Laugier
Vinyan de Fabrice Du Welz
Surveillance de Jennifer Chambers
Déjame entrar de Tomas Alfredson
Eden Lake de James Watkins
Crows-Zero de Takashi Miike
The good, the bad & the weird de Ji-woon Kim
Tokyo! de Joon-ho Bong
The Chaser de Hong-jin Na
Ensayo sobre la ceguera de Fernando Meirelles
Repo! The Genetic Opera de Darren Lynn Bousman
Synecdoche, New York de Charlie Kaufman
The informers de Gregor Jordan
Reflejos de Alexandre Aja
Transsiberian de Brad Anderson
Idiots and Angels de Bill Plympton

Por desgracia no he visto ninguma... por lo que os dejo con el fantástico video de la Zombie Walk de Sitges de este año

Nota

2008-10-14T07:06:00.000-07:00

Vale, sí, me he dado cuenta de que como todo lo que empiezo.. no lo acabo. Pero como propósito de fin de año me propongo comprometerme a actualizar al menos una vez por semana (o dos).

Por el momento me voy al cine a ver la nueva de Woody Allen, palomitas y amor para todos.

Paul Newman

2008-10-07T12:46:00.000-07:00

Y otro de los grandes que se ha ido..

Mi vida sin mí

2008-09-19T01:55:00.000-07:00

TITULO: MI VIDA SIN MI.

AÑO: 2002.

PAÍS: Española, rodada en Canada..

DIRECTOR: Isabel Coixet.

GUIÓN: Isabel Coixet.

Reparto Sarah Polley, Amanda Plummer, Scott Speedman, Alfred Molina, Jessica Amlee, Kenya Jo Kennedy, María de Medeiros, Deanne Henry.

Sinopsis: Ann tiene 23 años y vive junto a su marido y a sus dos hi-jas en un remolque en un suburbio de Vancouver. Su vida da un giro radical cuando su médico le dice que sólo le quedan un par de meses de vida. Decide mantenerlo en secreto y no decírselo ni siquiera a su marido. Desde ese momento hace una lista con las cosas que le gustaría hacer antes de morir e intentará vivir lo que le queda con la mayor pasión posible. De esta forma lle-gará a desarrollar un amor por la vida que nunca había experimentado (LA BUTACA.NET).

Crítica: Una película que emociona desde el primer segundo. Plagada de diálogos que marcan, gestos, historias y una espectacular visión de la vida. Un peliculón de los que recomendar a todo el mundo, en especial para los amantes del cine independiente que no cae en los tópicos romanticones.

Nota: 9.

Trailer: http://es.youtube.com/watch?v=MnRuXmT5m5I .

Las reglas del juego

2008-09-16T05:44:00.000-07:00

TITULO: LAS REGLAS DEL JUEGO (The rules of attraction).

AÑO: 2002.

PAÍS: Estadounidense.

DIRECTOR: Roger Avary (¡el guionista de Pulp Fiction!).

GUIÓN: Roger Avary, basado en una novela de Bret Easton Ellis.

Reparto James Van Der Beek, Shannyn Sossamon, Ian Somerhalder, Jessica Biel, Kip Pardue, Kate Bosworth.

Sinopsis: Según la novela del polémico Bret Easton Ellis -"Less than Zero", "American Psycho"- , otro nuevo y demoledor retrato de la juventud adinerada estadounidense. Un grupo de jóvenes estudiantes de arte se dedica a organizar fiestas temática donde drogas, alcohol y sexo son los componente principales (FILMAFFINITY)

Crítica: Comienza con pinta de ser otra típica película americana con adolescentes en una fiesta y el tema del sexo en primer plano, pero según avanza te das cuenta de que es mucho más que eso. Lleva los tres tópicos americanos (el gay, la virgen y el chulo gigoló) hasta el extremo, y de forma una forma satírica critica el nihilismo de la juventud americana –y no sólo americana-. Magnífica, tanto por los efectos visuales que utiliza como por las actuaciones (y todo sea dicho: Ian Somerhalder alegra mucho la vista –y Shannyn Sossamon-).

Nota: 8.5

Trailer: http://es.youtube.com/watch?v=5tyy54mWDiA (un poco bodrio)

Delicatessen

2008-09-04T06:53:00.000-07:00

TITULO: Delicatessen.

AÑO: 1990.

PAÍS: Francia.

DIRECTOR: Jean-Pierre Jeunet.

GUIÓN: Jean-Pierre Jeunet y Marc Caro.

Reparto Pascal Benezech, Dominique Pinon, Marie-Laure Dougnac, Jean-Claude Dreyfus, Karin Virad.

Sinopsis: Comedia negra que narra la peculiar historia de un edificio en el que las personas se ‘mueren’ por alimentarse. De forma algo surrealista presenta una visión macabra de una serie de hechos tintados por un carnicero y su cuchillo.

Crítica: Acabo de verla y no sé qué pensar.. He de admitir que Amelie (de este mismo director) me encantó, pero esta película tiene algo que no me ha convencido. Por regla general me suelen entusiasmar las películas con toques de humor negro pero sin embargo con Delicatessen he sentido cierto rechazo no por el tema sino que creo que por el ambiente en el que tiene lugar. No me acaba de convencer esa casa, la fotografía tan sepia, los diálogos ni algunos de los vecinos. Sin embargo hay escenas que he de admitir que enamoran, pero no quita el que el final del film me parezca demasiado forzado.

Nota: 5,90.

Trailer: http://es.youtube.com/watch?v=iYo_SkERMNI .

El gran dictador

2008-09-03T04:47:00.000-07:00

TITULO: El gran dictador (The great dictator).

AÑO: 1940.

PAÍS: Estadounidense.

DIRECTOR: Charles Chaplin.

GUIÓN: Charles Chaplin.

Reparto Charles Chaplin, Paulette Goddard, Jack Oakie, Reginald Gardiner, Henry Daniell, Billy Gilbert, Maurice Moscovich, Emma Dunn, Bernard Gorcey.

Sinopsis: Un barbero judío que combatió con el ejército de Tomania en la primera guerra mundial vuelve a su casa años después del fin del conflicto. Amnésico a causa de un accidente de avión, no recuerda prácticamente nada de su vida pasada y no conoce la situación política actual del país: Adenoid Hynkel, un dictador fascista y racista, ha llegado al poder y ha iniciado la persecución del pueblo judío, a quien considera responsable de la situación de crisis que vive el país. Paralelamente, Hynkel y sus colaboradores han empezado a preparar una ofensiva militar destinada a la conquista de todo el mundo.

Crítica: Genialidosa sátira, divertida y crítica a la vez, de la que no podría nombrar una escena en especial. Es un clásico (¿quién no ha visto alguna vez el cartel?) en la historia del cine al ser la primera película diferente de Chaplin. Imprescindible, una joya.

Nota: 10.

Across the Universe

2008-09-02T06:54:00.000-07:00

TITULO: Across the Universe.

AÑO: 2007.

PAÍS: Estadounidense.

DIRECTOR: Julie Taymor.

GUIÓN: Dick Clement y Ian La Frenais.

Reparto Evan Rachel Wood, Jim Sturgess, Joe Anderson, Bono, Eddie Izzard, Dana Fuchs, Cynthia Loebe, T.V. Carpio, Martin Luther.

Sinopsis: Musical romántico ambientado en los años 60 del siglo XX en la época de los años turbulentos de las protestas contra la guerra, la exploración mental y el rock'n roll. Narra de un modo especial la historia de unos amigos y numerosas hisroias entreruzadas marcadas por la guerra de Vietnam y las psicodélicas drogas en las fiestas hippies.

Crítica: Me encanta esta película y su banda sonora de los Beatles (L), pero quizá si no te gustan especialmente los musicales y las películas ‘algo’ diferentes es mejor ni plantearse ver esta película. Yo no me cansó de recomendarla desde que la ví, y por el momento a nadie le ha decepcionado, si bien es porque se la he recomendado a gente con gustos afines a los mios, pero desde luego si no tienes una pizca de idealismo o gusto por lo extravagante no vas a poder soportarla más de 10 minutos. Me encanta, al menos dadle una oportunidad al trailer, hay escenas que ponen los pelos como escarpias.

Nota: 10!

Trailer: http://es.youtube.com/watch?v=7VTPSL9TcJc .

Oh! Y acado de ver que estan colgadas en el magnífico youtube todas las canciones de la película con subtítulos en español (lo justo para una película en la que cantan en inglés). Ale, pongo el link para los que no entienden mucho de inglés y se la han bajado sin subtítulos (avíso, sólo son las canciones no la película entera):

http://es.youtube.com/watch?v=xqXaLDfYhos

El cine español

2008-09-02T04:11:00.000-07:00

En cuanto al cine de nuestro país, la aparición del sonoro provoca desorientación en la industria cinematográfica española, que, incapaz de adaptarse con rapidez a los adelantos técnicos, queda por un tiempo paralizada. Se produce en este momento una importante emigración a Hollywood. En 1934 se crean los estudios Cinematográfica Española y Americana (CEA), fundados por varios dramaturgos. También en esos años se crea la distribuidora Compañía Industrial Film Española Sociedad Anónima (CIFESA), que después se convertiría también en productora.

Las primeras películas españolas tienen carácter documental. Se considera que la primera fue la Salida de misa de 12 del Pilar de Zaragoza, de 1896 y sin autor conocido. Se mantiene así la costumbre de rodar escenas cotidianas.

El catalán Fructuos Gelabert es considerado el fundador del cine español. En sus comienzos realizó documentales como La salida de los trabajadores de una fábrica en Barcelona, y Salida de la Iglesia Parroquial de Santa María de Sans, ambas de 1897. Ese año rodó una película con argumento, Riña en un café, de sólo 5 min. de duración pero con un mínimo hilo argumental. También mezcló ficción y documental en La visita de la Reina Mª Cristina y Alfonso XIII a Barcelona y Los guapos de la vaquería del parque, de 1905. Otra figura fue Segundo de Chomón, que rodó en 1902 películas con un estilo mucho más fantasioso: Pulgarcito, Choque de trenes, Gulliver en el país de los gigantes... al estilo de Mèlies.

Los primeros años del XX en España se caracterizan por 2 corrientes: documental y fantasía, y por ser Barcelona el centro de actividad. En 1909 se rueda por primera vez en Barcelona una película de fuerte contenido ideológico, dirigida por Josep Gaspart: Los sucesos de Barcelona, que narra la Semana trágica catalana. Ese mismo año se rodarán secuencias de la guerra de Marruecos, escenas de revueltas callejeras en Madrid.

En 1922 se funda en Madrid Films Española, productora que introduce un nuevo tipo de cine que persistirá hasta hoy: la “españolada” costumbrista y popular, sobre temas taurinos, folclóricos... lo que en ese momento se quería difundir de España. De esta productora podemos destacar a tres directores que se iniciaron alli: José Buche, Florian Rey y Benito Perojo. En 1923 se produce el Golpe de estado de Primo de Rivera, y la producción cinematográfica se traslada a Valencia y Madrid. En 1928 se crea en Madrid el primer Cine Club, a través del cual llegarán a España películas de vanguardia soviética, y propuestas de algunos miembros de la Residencia de Estudiantes, que aportarán nuevas visiones: Ernesto Jiménez Caballero rueda en 1928 Esencia de verbena, mezcla de documental y fantasía, que cuenta entre su reparto con Gómez de la Serna. En ella hay profusión de montaje, fundidos, etc... Utiliza un tema muy popular para incluir recursos vanguardistas, y llega a ridiculizar tal casticismo. En 1929 Francisco Camacho dirige Zalacaín el aventurero, con un enorme éxito, y ese mismo año, Francisco Elías rueda la 1ª película hablada del cine español, El misterio de la Puerta del Sol. 1936 fue un año estéril para el cine; de 1937 podemos destacar 2 documentales del lado republicano:

-Aurora de Esperanza, de Antonio Sau, marcada por la CNT, plasmó los problemas del proletariado catalán y es un anticipo del neorrealismo italiano.

-Barrios bajos, de Pedro Puche, también con un marcado carácter anarcosindicalista y un tema similar.

Si en Europa la Segunda Guerra Mundial marcó el rumbo de la industria cinematográfica, en España será la dictadura franquista la que cause una brecha mucho más duradera. Así, durante la dictadura se creó la Junta Superior de Censura Cinematográfica, que obligaba a quienes quisieran realizar una película a presentar previamente el guión y después la película, pues ésta debía ajustarse a "la exaltación de los valores raciales y la enseñanza de nuestros principios morales y políticos". No obstante, durante esta etapa se realizó un puñado de excelentes películas a cargo de autores como Juan Antonio Bardem o Luís García Berlanga. En esos años en el cine español se deja sentir la influencia del neorrealismo italiano. Títulos de esa etapa son Bienvenido Mr. Marshall (1952) y El verdugo (1963), ambas de Luis García Berlanga, y Muerte de un ciclista (1955), de Juan Antonio Bardem. En la década de 1960 aparece el llamado nuevo cine español, con realizadores como Carlos Saura, Mario Camus, Manuel Summers, Miguel Picazo, Fernando Fernán Gómez… La década de 1970 se caracterizó por las comedias populares comerciales. Una vez reinstaurada la monarquía, el cine se liberaliza y toca temas que en el franquismo estaban prohibidos.

Cine estadounidense de los 60

2008-09-02T04:03:00.000-07:00

La sociedad estadounidense comienza a sentir la fuerza de una generación que busca abrir nuevos caminos reivindicativos de una nueva convivencia que se proyectan en los intereses culturales, creativos y vivenciales. La industria del cine, en gran medida, también siente cómo el interés de los espectadores por las películas que produce está provocando que sus cimientos se resientan. La televisión y otros modos de entretenimiento provocan que determinadas superproducciones tengan difícil su amortización.

El cine estadounidense ya ha sentado bases en Europa, produciendo numerosas películas en Gran Bretaña, Italia y España, con actores de prestigio internacional (Doctor Zhivago, 1965, de David Lean) y los directores más representativos de la época trabajan tanto en Estados Unidos como en el Viejo Continente (John Huston, Stanley Kubrick, Orson Welles, John Schlesinger, etc.).

Los géneros todavía conservan la esencia que les ha definido como tales. Las comedias tienen de protagonistas a Rock Hudson y Doris Day (Un pijama para dos, 1962, de Delbert Mann), a Peter Sellers (El guateque, 1968, de Blake Edwards) y, especialmente, a Jerry Lewis (Lío en los grandes almacenes y El profesor Chiflado, 1963, de Frank Thaslin y el propio Lewis), aunque la presencia del maestro Billy Wilder sigue marcando las diferencias (El apartamento, 1960, con Jack Lemmon; Uno, dos, tres, 1961, con James Cagney) El musical aborda temas relacionados con el mundo juvenil y familiar (West Side Story, 1961; Sonrisas y lágrimas, 1965, de Robert Wise) y comienzan a surgir con más frecuencia —antes ya había pasado con Elvis Presley- las películas que aprovechan el tirón popular de los nuevos grupos musicales jóvenes, como los Beatles, para producir historias como ¡Qué noche la de aquel día! (1964), de Richard Lester.

El cine de terror alcanzó algunos de sus momentos más memorables con películas como Psicosis (1960) y Los pájaros (1963), de Alfred Hitchcock, Repulsión (1965) y La semilla del diablo (1968), de Roman Polanski, y La noche de los muertos vivientes (1968), de George A. Romero. El western continúa dando historia con gran fuerza y efectividad como Los siete magníficos (1960), de John Sturges, y El hombre que mató a Liberty Balance (1962), de John Ford.

No obstante, la reflexión sobre el hombre en el más amplio sentido de la palabra se impone en trabajos tan diversos temáticamente como El prestamista (1965), de Sydney Lumet, La jauría humana (1966), de Arthur Penn, Danzad, danzad, malditos (1969), de Sydney Pollack. Las nuevas vías creativas, desde un ámbito independiente y solapado con las iniciativas de los grandes Estudios, quedan reflejados en varias películas que cierran la década: El graduado, de Mike Nichols, Cowboy de medianoche, de John Schlesinger, -con sendas magistrales interpretaciones de Dustin Hoffman, y Bonnie y Clyde, de Arthur Penn, y que de alguna manera permanecen en la memoria colectiva como iconos de un momento socio-cultural de gran relieve.

En cualquier caso, se consolida un cuadro artístico apoyado en actores como Jack Lemmon, Walter Matthau, Paul Newman, Robert Redford, Clint Eastwood, y actrices como Faye Dunaway, Shirley MacLaine, Barbra Streisand, entre otros, que sirven de transición entre la estrellas maduras y los jóvenes que va a irrumpir en la década siguiente.

Mucho más allá de las trayectorias personales de directores consagrados y de los nuevos creadores, se dieron otras líneas mucho más marginales que se englobaron bajo la denominación "Cine independiente americano" (el New American Cinema, el cine underground), corrientes de vanguardia que quisieron romper con las temáticas tradicionales.

(El texto de esta entrada pertenece originalmente a la web recursos.cnice.mec.es, me ha parecido un resumen inmejorable).

El nuevo cine europeo en los 40-50

2008-09-02T03:51:00.000-07:00

El cine europeo pasa por una situación de necesario proteccionismo por parte de los gobiernos de cada país, con el fin de poder establecer unos márgenes que permitan desenvolverse en el propio mercado ante la presencia del cine estadounidense. Es una década de transición en la que directores muy jóvenes, en su mayoría surgidos del campo de la crítica cinematográfica, desean hacer frente al cine convencional y clásico. Para eso a lo largo de la década reclaman libertad de acción y creación y ayudas para financiar sus proyectos, y darán origen a unos movimientos con proyección cultural y política que fueron conocidos como la "nouvelle vague" (Francia), el "free cinema" (Reino Unido) y el "Nuevo cine alemán", entre otros, y siempre en conexión directa con lo que acontecía en diversos países americanos.

La 1ª corriente que surgió en Europa fue el Neorrealismo italiano, tras la IIGM, decidido a mostrar la autenticidad de las cosas y las personas, hasta llegar a tomar un tono documental. Recogió la tradición del cine realista que se había dado en Italia en los días del mudo, y terminó con la grandilocuencia del cine fascista.

El pistoletazo de salida lo dio Roberto Rossellini en 1945 con Roma, ciudad abierta, rodada con escasos medios. Relataba hechos reales, ocurridos en el invierno del 44 cuando Roma fue ocupada por los nazis, y se rodó allí donde había sucedido. Tiene 3 protagonistas cuyo único rasgo común es la pertenencia a la resistencia antinazi: un militante comunista (acaba fusilado), una campesina (ametrallada), y un sacerdote (torturado hasta la muerte).

A partir de aquí, el neorrealismo se diversifica en 2 subtendencias:

El realismo con dosis de sentimentalismo, liderada por Vittorio de Sica y su Ladrón de bicicletas (1948).
Realismo crítico, de raíz marxista, que permite sacar consecuencias políticas, liderado por La guerra Trema de Visconti (1948), que muestra la situación de pobreza en Sicilia.

El neorrealismo italiano influyó mucho en Europa porque dio una gran lección: se podía hacer un cine sublime con pocos medios económicos y humanos. Su final llegó tras la llegada al poder de la Democracia Cristiana en 1948, que pretendía crear una nueva Italia, más alegre y mediterránea y potenció un cine más acorde con estas premisas: la Comedia italiana de los 50, protagonizada siempre por actrices de poderío físico (Sofía Loren, Gina Lollobrigida). Se le ha llamado Comedia neorrealista, o Realismo rosa, al recoger elementos formales del neorrealismo como los escenarios naturales y los ambientes naturales. Un ejemplo es Pan, amor y fantasía. Tras esto, destacan en Italia dos directores diferenciados, que encabezaron lo que se ha denominado postneorrealismo, que bebe del neorrealismo pero con una personalidad muy específica:

-Michelangelo Antonioni, que practicó cierta crítica social, pero siempre desde el intimismo.

-Fellini, un director personalísimo, el mejor cronista de la Italia profunda.

Otro movimiento europeo crítico con el cine de alto presupuesto fue la Nouvelle vague de finales de los 50, que se prolongó hasta los 70. Empezó a gestarse en la revista Les cahiers de cinema, publicada a partir de 1951, de la mano de un grupo de críticos que demandaba un nuevo cine, de autor, más visual, que rindiera culto a la imagen y que, sobre todo, homenajara a los pioneros como Griffith. Uno de los primeros síntomas de esa nueva ola lo dio Roger Vadim en 1956 con Y Dios creó a la mujer, con un mayor predominio visual, pero que ante todo convirtió en mito erótico a la que era su mujer, la Bardot, que ha reportado más dinero a Francia que la Renault.

Pero el reconocimiento total llegó en Cannes, en 1959, donde fueron premiadas 2 películas que rompían la tradición cinematográfica francesa y sentaban las bases de la nueva ola: Los cuatrocientos golpes de Truffaut e Hiroshima mon amour de Resnais. Este cine presenta relaciones individuales y, como máximo, de pareja. Llegó a la cima con Godard y Al final de la escapada (1959). Creó un lenguaje cinematográfico muy personal: una sucesión de momentos inconexos sin ningún trasfondo cronológico ni psicológico. Fue un movimiento muy poco unitario, pero tuvo algunos rasgos comunes:

El cine británico mantiene vivas las líneas creativas de los cuarenta, más arropadas por la ayuda del gobierno. La comedia de los Estudios Ealing y las adaptaciones shakesperianas de Laurence Olivier convivieron con producciones bélicas y numerosas adaptaciones teatrales que habían sido éxito en el West End londinense. En estos años las películas de David Lean evolucionaban entre la sencillez de El déspota (1953) y la superproducción (El puente sobre el río Kwai, 1957; Lawrence de Arabia, 1962). La productora Hammer vivirá su mejor momento industrial y artístico al abordar películas de ciencia-ficción como El experimento del doctor Quatermass (1955), de Val Guest, y, especialmente, historia de terror, en las que rescata los personajes clásicos que hiciera famosos la Universal, sólo con la diferencia que estas producciones ya eran en color. Así surgieron La maldición de Frankenstein (1957) y Drácula (1958), dirigidas por Terence Fisher e interpretadas por Peter Cushing y Christopher Lee, producciones que alcanzaron un notable éxito internacional.

El cine nórdico continuó ofreciendo excelentes trabajos, como el del maestro Carl Theodor Dreyer que dirigió La palabra (1955), una obra completa en su fondo y forma. No obstante, a partir de esta década el nombre que recordará la existencia del cine en estos países será el de Ingmar Bergman, director sueco que sorprende al mundo con una películas cargadas de emoción, sentimiento, tragedia y humanidad. A partir de El séptimo sello (1956) es descubierto en muchos países en los que comienzan a revisar su obra anterior al tiempo que continúan su trayectoria con otros filmes tan sorprendentes como Fresas salvajes (1956) y el manantial de la doncella (1959).

El cine en los años 40-50

2008-09-02T03:40:00.000-07:00

Años 40-50 :

Tras la IIGM, el pesimismo y la inseguridad ciudadana vivida en Estados Unidos se trasladó al cine, y empezó a darse un cine “psicológico”, que reflejaba la angustia y la neurosis colectiva de la Norteamérica de posguerra. La repercusión más importante de esto fue el Cine negro, género que parte de la novela negra (casi todo son adaptaciones) que ya había triunfado en los años 30. El nombre lo pusieron los críticos franceses por los aspectos visuales y por los temas: escenas nocturnas tanto en exteriores como en interiores, planos picados y contrapicados, y un predominio del plano subjetivo frente al plano objetivo. Hay una gran influencia del expresionismo alemán (Fritz Lang). En cuanto a la temática, refleja el lado más oscuro del ser humano (crímenes, violencia). El protagonista masculino es misógino y cínico, solitario y sin ataduras aparentes: detective privado, ex-policía corrupto, ex-recluso, soldado de la IIGM desmovilizado... siempre al margen de la ley, ya que la frontera entre honestidad y perversidad es muy difusa. Y las mujeres suelen ser ambiciosas, malvadas y codiciosas, incluso inmorales, y cuando no lo son, llevan al hombre a la perdición (Gilda). Son frecuentes los triángulos amorosos tormentosos.

Las grandes estrellas fueron Humphrey Bogart, que protagonizó la 1ª película de cine negro, El Halcón Maltés, ópera prima de John Huston (1941), y Lauren Bacall, que triunfó junto a Bogart en El sueño eterno(1946) de Haward Hawk. Este cine arrasó hasta los 50, y se cierra en el 58, con la última importante y gran película de cine negro, Sed de mal, de Orson Welles de 1958.

CAIDA DEL AUGE DEL CINE.

La otra causa de la crisis fue la llegada en 1946 de la televisión, que desde el principio se configuró como un peligroso rival para el cine por su rápido crecimiento. Para competir con ella, el cine tuvo que tomar una serie de medidas: el color(55-56), el cine en 3-D (54-55), las proyecciones en gran formato (cinemascope, 55-56), losautocines(46), y las superproducciones, películas de gran presupuesto y rentabilidad. Se hicieron con la idea de abaratar costes, por ello se adoptaron los escenarios naturales y se rodó en países europeos con pocos recursos (Venhunr, Italia; Espartaco, El Cid y La Caída del Imperio Romano en España).

En los 50 se acaba el Star system y empieza el “cine de productor”, que es quien paga y manda. En Europa,por otro lado, se configura un “cine de autor” con presupuestos mínimos, películas modestas que se exhibirán en Cine Clubs, salas de pequeño tamaño.

Consecuencias: final del cine clásico americano (años 50), menos espectadores, menos producciones (los que van al cine ven películas europeas), la creatividad se va a Europa.

El cine americano: origen del sonoro.

2008-09-02T03:17:00.000-07:00

El cine sonoro nació en 1927, en EEUU, con El cantante de jazz. Los primeros años este tipo de cine contó con grandes problemas de adaptación al nuevo sistema, que afectaba sobre todo a los actores. De tal modo los directores se dividieron entre simpatizantes y enemigos. Pronto, los primeros incorporaron cambios en sus películas: más diálogos y música, y menos efectos visuales (en concreto las iluminaciones).

Uno de los más radicales defensores del sonoro fue Ruttman, un alemán que aplaudió tanto la llegada del sonoro que ese año realizó Week-end, un manifiesto a su favor, sin imágenes: la pantalla permanece en negro y lo único que tenemos son sonidos que nos sugieren la acción.

Del otro lado se encontraban los directores más visuales, como es el caso de Eisenstein que junto a otros directores y realizadores soviéticos mantuvo que sería “el final de la especifidad del cine. Otro detractor del sonoro fue Chaplin, por otro motivo: para él, el cine era el arte de la pantomina, el gesto, y el sonoro asesinaría esa expresividad, y por tanto al cine. Aunque juró y perjuró que nunca haría una película hablada, y que si alguna vez le obligaba la industria, interpretaría a un mudo, no cumplió su promesa, aunque llegó muy tarde al sonoro, en 1940, con El gran dictador.

En todo caso, lo cierto es que la llegada del sonoro iba a suponer importantes cambios:

Cambios técnicos: el sonoro exigía nuevos planos. Sobraban los planos descriptivos de la acción, que podían ser sustituidos por palabras.
Auge de un nuevo género en EEUU, el musical, y caída de otro: el “Cómico de pastelería” representado por cómicos como Buster Keaton (su trabajo más conocido fue El maquinista de la General, en 1926), Harold Lloyd, Larry Semon, Stan Lauren y Oliver Hardy (el gordo y el flaco).
Dominio absoluto de la industria americana.

Pero hay un cine que sobrevive al sonoro: el de los Hermanos Marx y de Charles Chaplin.

Los Hnos. Marx se adaptaron perfectamente al sonoro, ya que se apoyaron mucho en diálogos absurdos y de raíz surrealista. El suyo era un humor inteligente, como demuestra una de sus películas más famosas, Sopa de ganso (1933), que sin embargo fue un fracaso comercial que les hizo incluir intrigas amorosas y algunas canciones, para acercarse al género de moda entonces, el musical. El éxito total llegó con Una noche en la ópera (1935).

Chaplin nunca perteneció al “Cómico de pastelería”. Sus películas se basaban en el personaje al que él mismo interpretaba, Charlot: el entrañable vagabundo, inconfundible por sus pantominas y su atuendo. Pese a ser un personaje cómico, sus películas, sobre todo las primeras, tienen un claro trasfondo social. Su filmografía consta de El chico (1921), La quimera del oro (1925), Luces de la ciudad (1931) que es considerada su primer manifiesto contra el sonoro. Su 2º manifiesto antisonoro llega en 1936 con Tiempos modernos, dura crítica contra la industrialización avanzada, que muestra la situación del proletariado industrial, totalmente sometido al poder de la máquina. En esta época, con el sonoro ya consolidado, Chaplin sigue sin hablar, aunque incorpora sonidos (ruidos de máquinas). Por fin, en 1940 llega El gran dictador, crítica mordaz contra las dictaduras fascistas, con cambios fundamentales en su cine: abandona el personaje de Charlot y crea a 2 personajes: Hynkel y el Barbero judío. El otro dictador, Napoli, lo interpreta otro actor. Además, no hay crítica social sino política. Así, si Chaplin sobrevive al sonoro, es porque crea un estilo cinematográfico propio, que alcanzará constante desarrollo en el cine americano: el cine de crítica social, que llegará a su cima en 1940, 20 años después de El chico, con Ciudadano Kane, de Orson Welles; o John Ford, que también en 1940 dirige Las uvas de la ira.

EL MUSICAL.

En todo caso, la gran consecuencia del sonoro fue la creación del musical, en los años 30, argumento es tan sólo una excusa para dar entrada a una sucesión de números y que cuentan la misma historia: un grupo musical que pretende estrenar en Broadway. Este musical decae a finales de los 30, pero en los 50 resurge con películas como Un día en Nueva York (1949), Un americano en París (1951), Cantando bajo la lluvia (1952). En estos años incorpora novedades: la introducción de argumento y el color.

A finales de los 50 el musical acaba como género prioritario, con un gran éxito, West side story (1961), que arrasó sobre todo en Europa y consiguió 9 Oscars, igualando a Lo que el viento se llevó (la película que más Oscar consiguió fue Ben-hur, con 11). West side story es una versión actualizada de Romeo y Julieta, que incorporó novedades como el rodaje in situ, la visión de la cultura iberoamericana, la combinaicón de danza y baile... pero su gran y tremendo fallo es que ninguno de los dos protagonistas, Natalie Wood y Richard Beyner, sabía bailar.

La otra gran consecuencia del sonoro fue la supremacía de la industria yanqui; tras la IGM, aprovechando que Europa estaba arrasada, había llegado su primer desarrollo, pero su empuje total llegó con el sonoro, que cambió el concepto de cine: su carácter lúdico se acentuó muchísimo, y se volvió más “fácil” y en la clase media yanqui se puso de moda ir al cine 1 día a la semana. También se articulan unas estrategias de promoción, como la creación de los Oscars en 1928, lA primera entrega fue en el tercer lunes de marzo de 1929, como ahora. Otra estrategia de promoción fue fichar a cualquier director que empezara a destacar en Europa: Michael Curtiz (Casablanca, 1943), William Wyler (realizó adaptaciones literarias: Cumbres borrascosas, La heredera), Lubitzch, Sternberg (creador del género gangster), Fritz Lang... Estos fichajes también incluyen a actores como Marlene Dietricht o Greta Garbo.

Otra estrategia de promoción fue la ampliación y difusión de nuevos géneros para incrementar la banda de espectadores: la comedia americana, producto claramente ideológico, que pretende difundir el american way of life y niega la lucha de clases, al presentarnos una sociedad interclasista donde ricos y pobres se entremezclan. Vivió sus mejores años entre 1930 y 1940, y fue desbancada por los nuevos géneros llegados tras la IIGM, aunque continuó como un clásico en los 50, de la mano de Billy Wilder (comedia ácida), otro europeo, que la dotó de cierta acidez crítica, que llevó a la fama a Jack Lemmon y contribuyó a gestar el mito de Marilyn. Lo hizo en películas como Con faldas y a lo loco (1959). El otro director que retomó la comedia americana en los 50 fue George Cukor, con la pareja protagonista formada por Spencer Tracy y su mujer, Katherine Hepburn.

Otros géneros del cine americano de los años 30 fueron:

· Cine terrorífico-fantástico: surgió tras el crack del 29, inspirado en el expresionismo alemán, para satisfacer la necesidad de evasión del público americano. En 1931 la Universal produjo las 2 grandes películas del género en los 30: Drácula y Frankenstein. Otra fue King kong (1933).

· Aventuras: también para la evasión del público, vinculado al cine americano desde sus comienzos. Las más comunes fueron las aventuras selváticas, personificadas en Tarzán y sus múltiples versiones. También en el género aventurero podemos incluir al western, género típicamente americano que narra los orígenes de la historia yanqui.

· Gangsters: no está vinculado a la búsqueda de evasión; se impone porque recoge la realidad americana tras la Ley Seca de 1919, que creó una poderosa mafia italoamericana, que consiguió grandes beneficios gracias a la venta de alcohol, las apuestas, la trata de blancas.... Pero este género ya había nacido antes del sonoro, con ejemplos importantes como La ley del Hampa, de Sternbeck (1927), que consiguió el primer Oscar a la mejor película. Ya en el sonoro, el género se afirmó como un clásico del cine americano, hasta los días de El padrino.

El cine en las vanguardias

2008-09-02T03:03:00.000-07:00

Debido a la gran variedad de cine es preciso centrarse en el cine que se produjo en Europa entre las 2 Guerras Mundiales, un cine muy alejado de las grandes producciones estadounidenses y con unos criterios alejados de la comercialidad.

- CINE EXPRESIONISTA ALEMÁN

(Cine mudo hasta 1930, cuando llega el cine sonoro a Alemania con Angel Azul protagonizada por Marlene Dietrich).

El expresionismo puede situarse entre 1918 y 1930, se caracteriza por su gran expresividad y visualidad basada en 2 características:

1.Gusto por los efectos de luces y sombras. Contrastes luz para destacar, para insinuar.

2.Predominio de temas de misterio y terror: vampiros, locos, mutantes...

Por estas dos características, una película muy característica sería Nosferatu el vampiro de Murnau ,1922. La primera visión del vampiro procedente de la novela romántica. Un gran ejemplo de cine expresionista alemán fue también El gabinete del doctor Caligari (1919), que es la primera película importante de este género. La dirigió Robert Wiene, cuyo guión inicial relataba los crímenes que cometía un sonámbulo bajo las órdenes de su amo e hipnotizador el Dr.Caligari. Esta película sobre locos cuenta con un gran juego de sombras y luces, incrementando asi la sensación de misterio y lejanía. Es un cine muy teatral. Otra película de este género fue Metrópolis, de Fritz Lang Es una gran producción de elevado coste que contó con muchos extras y cuyo rodaje duró casi un año. El tema era la ciudad del futuro en el 2026: rascacielos, aeroplanos como transporte, puentes elevadosm los obreros vivían en el subsuelo y los adinerados en el exterior. Los obreros tienen una líder, María, y tiene todas las virtudes (como la virgen María). Un dato a destacar es el que muestra como elementos negativos de la sociedad a los judíos por lo que se interpreta como una película pronazi (era la preferida de Hitler).

- CINE SURREALISTA.

Es un cine no comercial y de corta duración del que apenas se conservan películas. El cine era el arte perfecto para los vanguardistas futuristas ya que no tenía pasado. El cubismo aparece en 1907 con Las señoritas de Avignon, y llegó al cine de la mano del pintor Fernand Leger, que filmó en 1924 la película cubista más importante: Ballet mecánico (formas cubistas en movimiento).

Pero la mayor aportación fue el Dadaísmo, movimiento provocador que quiso crear el Antiarte. Se gestó en Suiza durante la IGM, en el Café Voltaire de Zurich, donde se refugiaban artistas de todo el mundo. Tzara, un escritor que había creado los “Poemas simultáneos” o Escritura automática, tomada de fragmentos de periódicos al azar, publicó el Manifiesto del movimiento. En este entorno, apareció Marcel Duchamp, que le puso bigotes a la Gioconda, en un intento de suscitar el debate entre qué es arte y qué no lo es. Él decía que es arte aquello que el artista decide que lo sea. Presentó en 1917, en una exposición en Nueva York, un urinario al que llamó Fuente, y al que ni siquiera había manipulado. Su conclusión es que lo que crea el concepto de obra de arte es el ambiente. En 1926 rodó Anemic cinema, 7 minutos en los que sólo vemos girar unos círculos concéntricos que crean la sensación de profundidad.

De este estilo es de analizar la obra Un perro andaluz, de Buñuel. La participación de Dalí en la película no fue demasiado grande: colaboró en el guión, interpretó a uno de los hermanos maristas y preparó la imagen, muy Daliniana, de los 2 burros putrefactos sobre el piano (aunque la idea fue de Buñuel, que recordaba que en su infancia en su pueblo natal veía carroña muy a menudo). Un perro andaluz es una película llena de rupturas intencionadas: el relato no tiene sucesión sino que es una narración fragmentada, como el pensamiento humano, llena de asociaciones ilógicas (es lo que se llama Decoupage). Esta ruptura se ve en los propios rótulos de la película muda: el 1º es “Érase una vez”, le sigue “8 años después”, luego “hacia las 3 de la madrugada”, el 4º es “16 años antes”, y el último, “En primavera”. El resultado es una película corta, confusa al interpretar los mismos actores papeles distintos. No es una película que pretenda ser entendida, dijeron que el espectador no debía intentar entender las imágenes sino pensar en si le habían emocionado, gustado, disgustado...

También el título de Un perro andaluz es provocador puesto que así llamaban en la Residencia de Estudiantes a Lorca. Lorca criticó durísimamente la película y realizó un guión como réplica llamado Viaje a la luna, como homenaje a Mèlies, en el que ridiculizaba a Dalí y Buñuel. Ha sido llevado al cine tras el Centenario de Lorca por el pintor Federico Amat.

- EL CINE REVOLUCIONARIO

SOVIÉTICO.

Es revolucionario por su apariencia formal y por estar destinado a exaltar la Revolución rusa del 17 y sus antecedentes, de ahí su carácter propagandístico. En este contexto, vamos a ver la figura de Eisenstein, militante bolchevique convencido.

Así, en 1925 dirige La huelga, sobre las movilizaciones obreras acaecidas durante la 1ª revolución rusa (1905), rodó al año siguiente El acorazado Potemkin (1926) y en 1927 el gobierno le encarga la realización de Octubre, para conmemorar la Revolución de Octubre de 1917. Así, tenemos la famosa Trilogía Revolucionaria de Eisenstein. Su cine tiene tanta expresividad que prácticamente no necesitaría rótulos; este fue, posiblemente, su mayor logro (estaba dirigido al proletariado, mayoritariamente analfabeto). Él mismo lo definió como “cine puñetazo”,un cine que golpea, para diferenciarlo del “cine ojo” de Bertov, otro soviético, con un cine realista, sin añadidos, y consideraba a su cámara “un ojo que traduce lo que ve”.

- CINE AMERICANO.

Tema a tratar más ampliamente en otra entrada.

NACIMIENTO DEL CINE

2008-09-02T02:50:00.000-07:00

Es preciso para poder entender algo conocer sus inicios, y el cine no es una excepción a esta regla (he de confesar que me ha costado encontrar la información, organizarla y contrastarla para saber si es verdad por lo que si alguien decide usarla que al menos deje un comentario pidiendo permiso):

El cine, es la técnica de proyectar fotogramas de forma rápida y sucesiva para crear la impresión de movimiento, por lo que sin la fotografía el cine podría existir. Desde el principio, el cine fue un medio de representación visual totalmente distinto a los anteriores al ser el primer medio audiovisual: imagen en movimiento y sonido (las proyecciones iban acompañadas de músicos y voces externas a la cinta).

Empezando por el principio, la fotografía nació en 1826 con el físico francés Niepce, el cual estaba muy interesado en conseguir un medio para lograr imágenes que fueran más precisas que los dibujos o que la pintura, aunque quien patentó y mejoró fue Daguerre en 1839. Sin embargo no fue hasta 1878 cuando llegó la fotografía instantánea de Bernet (25 décimas de segundo) que facilitó la popularización de la fotografía y el captar al fin el movimiento. El orígen del cine está en la fotografía del investigador Eadweard Muybridge -cuya cámara que disparaba permanentemente obtuvo como resultado una serie de fotografías secuenciales que producían la impresión de movimiento fragmentado-.

El cine enlaza imágenes fijas proyectadas con una cadencia de 24 imágenes/seg que hace que el ojo humano no detecte el salto. El negocio se veía venir, por lo que cerca de 1880 comenzaron a parecer algunos inventos dirigidos a visionar el movimiento a partir de imágenes fijas como el zootropo o el kinetoscopio. Ya tenemos, pues, los tres elementos que constituirán el cinema: la persistencia de la vision, la fotografía y la proyección. Pero faltaban dos más de fundamentales: la película perforada y el mecanismo de avance intermitente que la mueve. Y fue en los EE.UU. donde, en 1890, se solucionó el problema, de la mano del gran inventor Edison y de Dickson. En muchas salas de diversión se instalaron los llamados Kinetoscopios de Edison, cajas que contenían una serie de bobinas que permitían ver una película individualmente, y es que el famoso inventor se negó a proyectarla sobre una pantalla porque creía que la gente no se interesaría por el cine. Sin embargo, la invención del cine no puede ser atribuida, específicamente, a nadie. Fue el resultado de una serie de inventos de diferentes personas.

Pero los que tuvieron sin lugar a dudas más éxito fueron los hermanos franceses Lumière con su invento el cinematógrafo, que filmaba y proyectaba la imagen utilizando la luz. La primera exhibición pública de lo que habían filmado fue el 28 de diciembre de 1895 en un Café Parisino. En sus primeros años, el cine fue una atracción de feria pero rápidamente se fue tornando más serio hasta que en 1911 el italiano Riccioto Carrido lo incluyó en su Manifiesto de las 7 artes (arquitectura, pintura, escultura, poesía, danza, música y cine).

INICIOS

Nacen cuatro vertientes de cine europeo : Documental (Lumière), Ficción (Mèlies), Film d’art y Superproducciones.

1. Documental: De mano de los hermanos Lumiére. Los títulos eran La salida de los obreros de la fábrica Lumière, La llegada del tren a la estación de Liotat, La partida de naipes, El regador, La demolición del muro, La salida del puerto, La merienda del bebé.... Las películas eran consideradas como documentales al recoger tan sólo la realidad y carecer de narración, decorados ni de la figura del actor -los protagonistas eran masas en movimiento que no interpretaban nada-. La cámara estaba siempre fija y sin cortes.

2. Ficción: Hacia 1900 surge en Europa otra concepción del cine más elaborada. Este tipo de cine lo encabeza Mèlies (“mago del trucaje”), padre del cine fantástico y de animación, que supo ver las posibilidades de la fantasía que el nuevo medio ofrecía. Compró una filmadora a los Lumière y empezó a producir películas: eran más largas (10-20 min) y llenas de efectos ópticos (magia, trucos ópticos, figuras que desaparecían o se mezclaban con dibujos). Algunas de sus obras fueron Viaje a la luna (1902), 20.000 leguas de viaje submarino (1907), A la conquista del Polo (1912) y también el primer spot publicitario,de una marca de whisky. Las dos vertientes por las que transcurrirá el cine (realismo -Lumière- y fantasía -Mèlies-) ya habían nacido. Eso sí, será un cine dirigido a divertir a la gente por lo que era bastante simple.

3. Film d’art: Las películas del Film d’art tomaron pronto carácter de superproducciones de cine comercial con finalidad económica. Ese fenómeno se extendió a toda Europa, especialmente a Italia y España. En Italia triunfó el cine histórico con Los últimos días de Pompeya (1910), Espartaco (1912), Quo Vadis, Marco Antonio y Cleopatra... y el cine fascista. En España los temas eran religiosos y basados en los Reyes Católicos. Fue un fracaso por la idea de un cine para cada clase social.

4. Superpoduciones: el cine como un lenguaje nuevo surgió en ese momento en los Estados Unidos, donde apareció el montaje, la sucesión de planos y los movimientos de la cámara de la mano de Porter y Griffith.

- Porter recogió el trabajo de los pioneros europeos. En 1903 rodó la 1ª película americana con argumento: Asalto y robo a un tren, considerada el primer Western de la historia (persecuciones, combinación de exteriores e interiores, etc). Los actores, por su origen teatral, son muy exageradosy resultan poco creibles.

- Los avances de Porter los perfeccionó su sucesor, Griffith, considerado el padre del cine tal y como hoy lo conocemos. Procedía del teatro pero a diferencia de los europeos supo abandonar esta formación al llegar al cine.

Había comenzado una nueva era artística.

Léolo

2008-09-01T03:02:00.001-07:00

TITULO: Léolo.

AÑO: 1992.

PAÍS: Canada.

DIRECTOR: Jean Claude Lauzon.

GUIÓN: Jean Claude Lauzon.

Reparto Maxime Collin, Gilbert Sicotte, Ginette Reno, Julien Guiomar, Giuditta del Vecchio, Denys Arcand, Pierre Bourgault.

Sinopsis: Insólita, cruda y violenta poesía cinematográfica, Léolo es la historia de un niño de imaginación desbordante que vive con su peculiar familia en un humilde barrio de Montreal. Loco por su vecina, está convencido que nació de un tomate fecundado por un italiano. En su onírico y surrealista mundo, la realidad no deja de inmiscuirse a través del despertar de la adolescencia, que provoca una riada de emociones llena de intensos contrastes. Así, mezclando delirante ternura con la dura desnudez de la realidad más deprimente, el malogrado Luzón consigue una maravillosa, diferente e impresionante película que regala la más cautivadora visión de la infancia que ha dado el cine moderno. Una obra singular e imprescindible. (cinépatas)

Crítica: Impactánte película. Yo creo que o bien te parece una obra de arte o por el contrario una película de mal gusto. Repleta de escenas hilarantes, un extraordinario humor negro y diálogos que se convierten en poesía, se hace que se traten temas desde la soledad humana hasta el (¿poco protagonista?) tema de water. Le doy un 10, no se merece menos.

Nota: 10.

Trailer: http://es.youtube.com/watch?v=Ra8m-RzD1SA .

Las cosas que nunca te dije

2008-09-01T01:55:00.000-07:00

TITULO: Las cosas que nunca te dije (Things I never told you).

AÑO: 1996.

PAÍS: España (rodada en USA).

DIRECTOR: Isabel Coixet..

GUIÓN: Isabel Coixet..

Reparto Lili Taylor, Andrew McArthy, Debi Mazar, Alexis Arquette, Leslie Mann, Richard Edson.

Sinopsis: No sería justo decir que se trata de una simple historia de amor ya que dentro del cine independiente ejerce una mayor fuerza las reflexiones personales. Ann y Don son dos personas dañadas que se juntan por casualidad, según va avanzando la película ambos de sarán cuenta de que las cosas más importantes son las que no se dicen.

Crítica: Excelente película (de momento todas las que he colgado me lo parecen, tiempo al tiempo para que una sea una mierda) en la que se asiste a grandes reflexiones hasta llegar a la ironía de que nadie aprecia nada hasta que lo pierde. En verdad es mejor que la veáis y que no me enrolle con cursiladas porque, para ser sincera, esta película se las merece. Espectaculares las escenas en off con la voz de Don.

Nota: 9.

Trailer:: http://es.youtube.com/watch?v=DmgzY1SJIqM (obligación pinchar)

Es una pena que se tarde tanto en crecer, porque seguro que cuando sea mayor me olvidaré de todo lo que me han hecho y no me acordaré de vengarme.

Human Nature (Naturaleza Humana)

2008-08-31T06:37:00.000-07:00

TITULO: Human Nature (Human Nature)

AÑO: 2001.

PAÍS: Estadounidense.

DIRECTOR: Michel Gondry.

GUIÓN: Charlie Kaufman.

Reparto Tim Robbins, Patricia Arquette, Rhys Ifans, Miranda Otto, Rosie Pérez, Hilary Duff.

Sinopsis: Una parodia filosófica, "Human Nature" hace un seguimiento de los altibajos de un científico obsesivo, Nathan Bronfman (Tim Robbins), de una naturalista, Lila Jute (Patricia Arquette), y del hombre que ellos descubren, Puff (Rhys Ifans), nacido y criado en estado salvaje. Mientras el científico en-trena al hombre salvaje, Lila lucha por preservar el pasado simio del hombre, que representa la libertad envidiable para muchos. En la lucha por el poder, un triángulo de amor poco frecuente emerge ex-poniendo la perversidad del corazón humano y las idiosincrasias de la mente civilizada. (sacado de labutaca.net, no lo podría mejorar)

Crítica: Inicialmente me pareció algo aburrida pero continué con ella debido a ser otra de las obras de Kaufman, y al final resultó ser una de las películas críticas más bien elaboradas que he visto. Da que pensar.

Nota: 7.

Trailer:: http://es.youtube.com/watch?v=wGPO15FSepQ (Mmmh, a mi gusto muy cutre)

¡Olvídate de mí!

2008-08-31T06:34:00.000-07:00

TITULO: ¡Olvídate de mí! (Eternal sunshine of the spotless mind)

AÑO: 2004

PAÍS: Estadounidense.

DIRECTOR: Michel Gondry

GUIÓN: Charlie Kaufman.

Reparto Jim Carrey, Kate Winslet, , Kirsten Dunst, Mark Ruffalo, Elijah Wood, Tom Wilkinson.

Sinopsis: Comedia romántica que narra la historia de Joel Barish en el momento en que recibe la noticia de que su novia, Clementine, ha decidido borrarle de la memoria. Desde ese momento el espectador acompañará a los protagonistas a lo largo de su historia de amor mientras se borran los recuerdos uno a uno de la mente de Joel.

Crítica: No es una de las típicas películas sentimentales de lagrimilla fácil sin dejar de ser un peliculón para cualquier romántico empedernido. Perfecta para quien se ha cansado de cursilerías, es una película con algo fresco (y para que negarlo, también frío en algunos momentos) tan característico en los guiones de Kaufman. Personalmente de mis favoritas por los diálogos.

Nota: 8.

Trailer:: http://es.youtube.com/watch?v=y92tMzvagXo (¡en español!)

El ladrón de orquídeas

2008-08-31T06:21:00.000-07:00

TITULO: Adaptación. El ladrón de orquídeas (Apaptation).

AÑO: 2002

PAÍS: Estadounidense.

DIRECTOR: Spike Lonze.

GUIÓN: Charlie Kaufman y Donald Kaufman.

Reparto Nicolas Cage, Meryl Streep, Chris Cooper, Cara Seymour.

Sinopsis: Original adaptación guionista del libro de Susan Orlean titulado ‘El ladrón de orquídeas”.

Crítica: Magnífica película en la que el guionista se escribe a si mismo y en la que tanto él como el director no dudan en incorporar elementos de la realidad a la ficción (tal y como se ve en Cómo ser Jhon Malcovich). Hay un gran análisis de los personajes con ese punto de patetismo que tanto me gusta, y en la que se observa una graaaan metamorfosis. Sin duda es una película muy bien llevada de las que se disfruta incluso la segunda vez que la ves. Merece la pena.

Nota: 10.

Trailer: http://es.youtube.com/watch?v=0HtZ2M4e_AM

Cómo ser John Malkovich

2008-08-31T06:15:00.000-07:00

TITULO: Cómo ser John Malkovich (Being John Malkovich)

AÑO: 1999

PAÍS: Estados Unidos.

DIRECTOR: Spike Jonze.

GUIÓN: Charlie Kaufman.

Reparto John Cusack, Cameron Diaz, John Malkovich, Catherine Keener, Ned Bellamy, Mary Kay Place, Orson Bean.

Sinópsis: Craig es un titiritero frustrado que decide entrar a trabajar en una extraña empresa para ganar algo de dinero. Nada más entrar en la oficina de Lester Corps su vida cambiará radicalmente al descubrir una extraña puerta, ¿ deseas ser Jhon Malcovich?.

Crítica: Una de las películas que más me han gustado en toda mi vida. Sólo se puede clasificar de original, divertida, surreal y de nuevo original. Hay un gran uso de las marionetas y unas excelentes comparaciones con la vida ‘real’, visiones internas y una frescura que no decae en toda la película. Sin duda Charlie Kaufman será mi nuevo dios. Os la recomiendo a todos.

Nota: 9.

Trailer: http://es.youtube.com/watch?v=sfVor5JLBM4